Z enim najpomembnejših glasov sodobne umetnosti pred razstavo v Franciji

Eden najpomembnejših sodobnih umetnikov današnjega časa Jean-Michel Othoniel je znan po svojih fascinantnih skulpturah in instalacijah, ki združujejo lepoto, krhkost in moč. Svetovna umetniška scena ga upravičeno šteje za enega najpomembnejših sodobnih glasov v svetu umetnosti, njegovo najnovejše fascinantno delo pa lahko doživite na dveh razstavah, ki sta se odprli to poletje; razstavo Under an Endless Light Sara Hildén Art Museum v mestu Tampere na Finskem, ki si jo lahko ogledate do konca septembra. Kot tudi samostojno, intimno razstavo Sur les Ruines du Prince Noir v muzeju Ingres Bourdelle v Montaubanu v Franciji, ki jo lahko obiščete do januarja 2025.

Njegovo umetniško delo je drugačno, specifično in prepoznavno. Za razliko od mnogih svetovno priznanih sodobnih umetnikov Jean-Michel Othoniel uporablja (zdaj) tradicionalne materiale, steklo in kovino, za ustvarjanje del, ki obravnavajo teme, kot so transformacija, minljivost in človeška čustva. Ustvarja dela, ki vabijo k razmišljanju in brez izjeme povzročajo čustveno interakcijo. V vseh svojih različnih umetniških projektih in sodelovanjih Othoniel raziskuje meje med naravo in umetnostjo, pri čemer pogosto ustvarja monumentalne instalacije v javnih prostorih, ki vzbujajo občutek čudenja, presenečenja, pa tudi kontemplacije. Kot da bi občinstvo presenetil z umirjenostjo, meditacijo in vabilom k razmišljanju in čutenju.

Under Endless Light, Sara Hilden

Z njim sem imela priložnost govoriti o njegovih navdihih, ustvarjalnem procesu in pomenu umetnosti v sodobnem svetu. Resnično me je zanimalo, kako umetnik, ki je tako nagnjen k refleksiji in kontemplaciji, ustvarja v svetu, ki je hektičen, kaotičen, agresiven in večino časa izmuzljiv. Nekako se mi zdi, da je Othoniel odkril skrivnost krotenja sedanjosti in časa, preberite, kaj mi je razkril.

Umetnostni muzej Sara Hildén letos poleti prvič organizira vašo samostojno razstavo v Skandinaviji. Na razstavi Under an Endless Light so vaša dela od zgodnjih 2000-ih do danes, s poudarkom na čudesih narave. So vaša dela morda postala – drugačna dela, ker obravnavajo drugačen prostor od tistega, ki so mu bila prvotno namenjena?

Navdušen sem nad arhitekturo muzeja, ker je lepa, čeprav predstavlja popolno estetsko nasprotje mojega dela. Brutalizem betona poudarja in povzdiguje dragocenost in lepoto materialov, ki jih uporabljam. Moč nasprotij se med seboj krepi: neprosojnost proti prosojnosti, sive enobarvne stene proti neštetim odtenkom stekla, matirane površine proti briljantni prosojnosti skulptur, teža struktur proti lebdečim, visečim delom, utišani materiali proti odmevni resonanci dela.

Najbolj pa mi je všeč, kako je arhitekt pustil, da je svetloba prodrla skozi debele zidove in prav tako se rodi dialog med mojimi deli in prostorom. Sončni žarki, ki vstopajo skozi strešno okno, se ujamejo na steklo in zlato mojih skulptur. Okna ponujajo okvirjene poglede na pokrajino, okna pa sem uporabil kot okvirje za postavitev svojih zunanjih skulptur. Bližina jezera ustvarja lesketajoč se učinek naravne svetlobe, ki prodira v prostore, fontane, ki sem jih postavil v središče muzeja, pa odmevajo z zvokom in gibanjem vode. Umetnost prinaša življenje v prostor. Po mnenju francoskega filozofa Gastona Bachelarda je mirna voda simbolično ogledalo med svetovi. Ne glede na to, ali je resnično ali čarobno, se okoli tega velikega, mirujočega očesa v velikem ogledalu iz modre opeke odvija poezija odsevov z dvajsetimi visečimi steklenimi skulpturami, ki oddajajo neskončne odseve.

Verjamem, da je to vaša največja samostojna razstava po pariški razstavi 2021/2022. Katera ključna dela so na ogled in zakaj?

Wonder Blocks je serija minimalističnih skulptur, ki temeljijo na ponavljanju preprostih oblik opeke, ki oživijo v kombinaciji materialov, stekla in čutnosti njihovih odsevov. Vse te plasti opek so si podobne, pa vendar različne, ustvarjajo abstraktno pokrajino skozi različne položaje steklenih opek, ki vabijo, da stopite v notranjost stebrišča in občudujete njene metamorfoze; gledalčevo gibanje med plastmi je neločljiv del dela. Gledalec potuje skozi labirint kot po vrtu jantarja in zelenega stekla.

Zdi se, da so vsa ta dela del edinstvenega jezika z materiali in barvami. Ali svoja dela doživljate kot jezik ali elemente jezika, ki se uporabljajo za komunikacijo? Če da, kaj bi radi sporočili?

Da je barva neločljiva od materiala. Ona je utelešenje materije. Ko se pesek in minerali stopijo, se spremenijo v barvno steklo, pihalčev dih pa jim da obliko, ki sem si jo zamislil – pride do preobrazbe in metamorfoze, ki temelji na konceptu. Giacometti to dobro razloži v svojih opazovanjih o naravi snovi. Barve pogosto oblikujejo tudi prve slike, ki nam pridejo na misel. Slikam v barvah in pretočnost akvarela me pritegne, ker je tako, kot bi pustil misli teči, da se preliva, kot voda na papirju in prva poteza vedno pusti sled razodetja.

Ali lahko pojasnite teorijo refleksije, ki ste jo razvili v dialogu z matematikom Aubinom Arroyo? Ali še delate na tem in kam vas je doslej pripeljalo; kje ste zdaj s to temo, dve leti kasneje?

Kar me pri liku Narcisa zanima, je trenutek v otroštvu, ko v ogledalu prepoznamo sebe in svet ter druge okoli sebe, obstaja pa tudi posplošen narcisizem, ki vse ljudi spremeni v rože, vsaki roži daje zavest o svoji lepoti. Tukaj, v Tampereju, želim prikazati spreminjajočo se pokrajino, poetično gibanje vej, ki se lomijo na zlatih lističih ogrlic, obešenih na drevesih. Lepota teh del, vgrajenih v naravo, je v njihovi sposobnosti, da nam pomagajo videti edinstvenost narave – ogrlice postanejo rajski sadeži in finsko pokrajino spremenijo v nov Eden.

Muzej Ingres Bourdelle v Montaubanu v Franciji je to poletje gostil razstavo, eno vaših največjih del, delo in situ, v zanimivem prostoru, še bolj zanimivi sobi, polni zgodovine. To bi bil očiten primer prej omenjenenega povezovanja, še posebej, ker gre za delo, na katerem ste delali tri leta. Ali lahko razložite tri leta dela na tem specifičnem prostoru, polnem zgodovine in specifičnega konteksta? Za kaj gre?

Sur les Ruines du Prince Noir v Montauban muzeju je izjemna soba, ki izvira iz srednjega veka. Zaznamuje jo zelo pomembna zgodovina, saj gre za obdobje, ko je Anglija dominirala Franciji. Princ Noir t.i. Črni princ je bil krvavi princ, ki so se ga bali po celotni regiji. To temno preteklost sem želel izpostaviti, ker sem to razstavo začel delati v času, ko se je začela vojna v Ukrajini. Ta razstava je bila zasnovana bolj kot instalacija, kjer sem ustvaril celotno arhitekturo zelo teatralnega črnega stekla, v središču katerega se pojavi blok krvavo rdečega kristala. Trije veliki zrcalni bloki se dvigajo iz tal kot duhovi, ki strašijo po sobi.

Veliko vaših del je razstavljenih izven muzejskih in galerijskih prostorov. Zakaj vam je bilo pomembno ustvarjati dela, ki so dostopna širši javnosti? In ali je sploh pomembno?

Zelo rad ustvarjam dela v javnih prostorih. Žal za to nimam pogosto časa, a vsakič je to srečanje z mestom, regijo, državo in vedno me obogati z mnogimi izkušnjami. Zame pa je to tudi politična vizija umetnosti, doseči ljudi, ki nimajo nujno priložnosti obiskati muzejev ali vstopiti v galerije. Verjamem, da je odgovornost umetnikov, da gredo na ulice, da dosežejo čim širšo publiko. Imel sem srečo, da sem se z umetnostjo srečal že zelo zgodaj in trdno verjamem v priložnost, ki jo ponujajo umetnine v javnem prostoru.

Kaj vas je na začetku pritegnilo k steklu kot mediju? In kaj vas žene še naprej? Z vsakim novim delom se zdi, kot da ta medij uporabljaš prvič in zadnjič. Še vedno nosi tisti element presenečenja in novosti, čeprav je očitno, da ga zelo dobro poznate.

Odkritje stekla se je zgodilo nekoliko po naključju med potovanjem po Eolskih otokih. Od leta 1997 je ta material neizčrpen vir čudežev. Tako bogat je z možnostmi in vsako raziskovanje materiala odpira nove poti za razmišljanje. Nikoli nisem prenehal risati, svoje razstave oblikujem kot zgodbe, ki jih je treba pripovedovati, in ta material je nekako nit, ki jih povezuje. Z leti sem ga imel priložnost spoznati, obvladati ob delu z najboljšimi steklopihalci na svetu. To me je vodilo tudi na potovanja, na Japonsko, Indijo, Mehiko in seveda v Italijo, s katero sodelujem že vrsto let, pa tudi v Švico. Je pa material, ki vedno znova preseneča in je tako privlačen, da je treba biti z njim nekoliko previden.

Sur les Ruines du Prince Noir

Tokratna razstava obsega več kot devetdeset del, kar je celo več od sedemdesetih, kolikor jih je bilo pred dvema letoma razstavljenih v Petit Palais. Ali lahko govoriva o retrospektivi v nastajanju? Ali lahko razložite celoten proces opazovanja in doživljanja del, od Wonder Blocks do Gold Lotus, Collier Or …?

Na tej razstavi za Sara Hildén Art Museum je narava osrednja tema tega projekta. Želel sem pokazati, kako pomembna je ta vseprisotna narava zame, seveda pa tudi za ves planet. In verjamem, da je ta občutek lepote, čudenja in kontemplacije zelo pomemben pri mojem delu. Čeprav včasih, kot v Montaubanu, gre za prikaz morda temnejše in dramatičnejše plati. Na Finskem me je, po drugi strani, navdihnila lepota nove narave, ki spomladi eksplodira, tako zelena in živa je. Verjamem, da je pomembno posredovati ta občutek upanja in da je to pomembna vloga današnjih umetnikov – vračati poezijo v svet.

Vaša dela so intimna in monumentalna, premostijo prostor vmes, prepad med zgodovino in inovativnostjo. Zdi se, da značilne perle, ki jih uporabljate za izdelavo svojih kiparskih ogrlic in skulptur, kot da so ali pa posredujejo kodo komunikacije med temi skrajnostmi. Kakšno sporočilo prenašajo?

Te monumentalne krogle, ki jih uporabljam skoraj kot arhitekt in ustvarjam skulpture, ki so pogosto večje od človeškega telesa, so skupni imenovalec toliko različnih kultur, bodisi v Indiji, Aziji, Afriki ali Evropi. Zame so odprta pot, ki omogoča, da moje delo doseže mednarodno občinstvo. Verjamem, da oblika ogrlice, povezana s človeškim telesom, pogosto izraža idejo o vezi, ki nas vse povezuje.

Sodelovali ste z arhitekti pri ustvarjanju umetniških del za posamezne lokacije po svetu. Kako zahtevno in kakšen izziv predstavlja sodelovanje z ustvarjalci iz drugih strok? Sploh glede na to, da prehajate iz ene discipline, izražanja v drugo?

Zelo ad delam z drugimi kreativci, še posebej z arhitekti, saj moje delo pogosto vodi dialog z arhitekturo in prostori. Sodelovanje z arhitekti, kot sta Peter Marin ali Jean Nouvel, premika moje lastne meje k tej ideji ustvarjalnosti, monumentalnosti in natančnosti, to je vedno velik izziv. Uživam pa tudi v delu z drugimi ustvarjalci, kot so koreografi, plesalci in glasbeniki. Ukvarjanje z drugimi disciplinami je bogata izkušnja, ki sem jo odkril med rezidenco v vili Medici v Rimu leta 1996. Srečanje z drugimi ustvarjalci pomeni tudi odpiranje uma, razširitev lastne presoje in obogatitev lastnega razmišljanja z izmenjavo.

Kaj vas trenutno navdušuje in kako se to umešča v vašo umetniško prakso? Kaj bomo videli v prihodnosti, kakšna sporočila bodo prenašala vaša dela?

Trenutno delam na več velikih projektih, vključno z veliko samostojno razstavo v Braziliji, v muzeju Oscarja Niemeyerja v Curitibi, s poudarkom na planetih in ozvezdjih. Pripravljam tudi pomemben projekt v Šanghaju v Muzeju Long, katerega arhitektura je veličastna, a resnično monumentalna. Zato bo šlo za napet dialog med novimi deli in tem elegantnim betonskim prostorom. Poleg tega za naslednje poletje v Franciji pripravljam dva velika projekta, ki bosta povezana s kozmosom, enega v Cannesu v času filmskega festivala in drugega v Avignonu. Vse te razstave, ki so zame zelo pomembne, od mene zahtevajo, da delam na ideji monumentalnosti in lepote ter razvijam mednarodno in bolj občutljivo vizijo svoje umetnosti.

Under Endless Light, Sara Hilden