Španska Reina Sofía je bila vedno več kot le muzej. Je prostor, kjer umetnost ne miruje, kjer se pravila ne spoštujejo samo zato, ker že dolgo visijo na steni, kjer se umetnostne zgodovine pišejo in brišejo v isti sapi. Guernica, verjetno najbolj znano delo v kolekciji, se je tako vtkala v identiteto tega prostora, da skoraj pozabljamo, da je v Madrid prispela šele leta 1992. Pred tem je blodila, bila prepovedana, skrita, čakala, da se zgodovina sprijazni sama s seboj. Reina Sofía zdaj znova piše zgodovino, a tokrat zavestno, premišljeno in brez čakanja, z nakupom 470 novih del, ki bodo na novo opredelila, kaj je sodobna umetnost danes in kako jo predstavljamo.
Ta nova dela se pridružujejo impresivni muzejski zbirki, ki vključuje znana dela, kot je prej omenjena slika Guernica Pabla Picassa. To je verjetno najbolj znana slika v muzeju, monumentalno delo iz leta 1937, ki prikazuje grozote španske državljanske vojne in je močan simbol protivojnega gibanja. Dekle ob oknu Salvadorja Dalíja je delo iz leta 1925, ki prikazuje Dalíjevo sestro Ano Marío in velja za eno njegovih najpomembnejših zgodnjih del. Poleg njih je v muzeju na ogled tudi Fontana Marcela Duchampa. Čeprav ni originalno umetniško delo, ampak predelan pisoar, je ta kos iz leta 1917 postal simbol dadaizma in konceptualne umetnosti. Metulj Joana Mirója je delo iz leta 1947, ki prikazuje Mirójev značilen abstraktni slog in velja za eno njegovih najpomembnejših del. Samo nekaj teh omenjenih del (skupaj z deli umetnikov, kot so Antoni Tàpies, Eduardo Chillida, Julio González in številna druga) nakazujejo, kaj ta muzej hrani, neguje in razstavlja.
Zadnji val prevzemov ni le širitev arhiva; je radikalen korak k bolj enakovredni in dinamični umetniški pripovedi. Več kot polovico novih del podpisujejo umetnice, pomemben del umetnin pa je nastal znotraj marginaliziranih etničnih skupnosti. Namesto da bi pasivno reflektiral prevladujoče tokove, ta muzej aktivno oblikuje prihodnost umetnostne zgodovine in predstavlja imena, ki še niso prišla v učbenike, a so nepogrešljiv del današnje globalne scene.
Širitev kolekcije
To, kar zdaj počne Reina Sofía, ni zgolj woke gesta, kot bi morda nekateri želeli označiti takšno potezo. Ne gre niti za modno muho, niti za trend, niti nujno za radikalno dejanje. Je preprosto odsev realnosti – sodobne umetnosti ni mogoče razumeti brez vprašanj spola, rase, identitete in politike. Tisti, ki se držijo izključno znanih imen, tisti, ki nočejo tvegati neznanega, umetnost gledajo skozi vzvratno ogledalo. In to je, priznali boste, zelo ozka slika. Ta sprememba prihaja v ključnem trenutku. Muzej marca 2026 načrtuje odprtje osvežene stalne postavitve, ki bo preučila zgodbo umetnosti od poznih 70-ih let do danes. Čakajo nas nova branja umetnosti, neizpovedane zgodbe in nepredvidljive poti; nekaj, kar se v ustanovah te velikosti redko dogaja, vsaj ne tako temeljito. Umetnice, kot je Ángeles Santos, čigar delo je bilo skoraj nevidno v prevladujočih kanonih, se je vedno znova “ponovno odkrivalo” in padalo v pozabo, imajo zdaj prostor, ki so si ga vedno zaslužile. Poleg nje zbirka vključuje tudi dela španskih sodobnih umetnikov, kot sta Joan Morey in Rubén Grillo, medtem ko se mednarodna razsežnost širi z vključitvijo afro-španskega umetnika Rubéna H. Bermúdeza, Kolumbijca Miguela Ángela Rojasa in avtohtonega brazilskega umetnika Denilsona Baniwe.
Pravzaprav madridski muzej Reina Sofía nikoli ne neha presenečati. Poleg tega, da ima v svoji zbirki presenetljiva, radikalna in ikonična dela umetnosti dvajsetega stoletja, zdaj začenja pravo malo revolucijo v svetu umetnosti enaindvajsetega stoletja. Da, v muzej je prispelo 470 novih del, kar pa je še posebej zanimivo, je kar 50 % podpisanih žensk! In ko pogledamo pridobitve ministrstva, številka poskoči na neverjetnih 72 %! Res ne vem, kateri muzej sodobne umetnosti se lahko pohvali s tako potezo.
Nekateri bodo rekli, da je to le številka, zame pa je to statement. V svetu umetnosti, kjer so bile ženske dolgo marginalizirane, je to majhen, a revolucionaren in pomemben korak k enakosti. In o katerih umetnikih govorimo? No, tu so španske umetnice, kot so Ángeles Santos, Colite, Pilar Albarracín in Cristina Lucas, pa tudi tuje zvezde, kot so André Masson, Alice Rahon in Regina José Galindo. Zveni znano? Morda ste že slišali za nekatere od njih ali pa ste pravkar odkrili njihovo genialnost. Vsekakor pa je nekaj gotovo – Reina Sofía postaja nezgrešljiva destinacija za vse ljubitelje umetnosti, pa tudi za tiste, ki v ta svet šele vstopajo. Takoj moramo stopiti v muzej. Sedem razstav, ki so zdaj odprte za javnost, zagotovo pušča vtis, do jeseni letos pa napovedujejo še štiri. Kaj pa vas ravno zdaj čaka v tem razburljivem muzeju? Berite dalje, zagotovo si boste želeli ogledati vse razstave.
A Life in a Few Lines, Huguette Caland
Pozabite na dolgočasne retrospektive! Razstava A Life in a Few Lines ni le pregled dela Huguette Caland, temveč potopitev v življenje ženske, ki je kljubovala konvencijam, prepotovala celine in ustvarjala umetnost, ki provocira in zapeljuje. 300 risb, slik, kipov in drugih medijev razkriva umetnico, ki je bila kljub svetovljanski “brezkoreninskosti” globoko povezana z idejo doma, skupnosti in komunikacije. Calandova je preizpraševala spolne norme, raziskovala telo, pripadnost, ljubezen, staranje in osebnost, vse pod vplivom geopolitičnih tokov dekolonizirajočega in neoliberalnega sveta.
Njena diaspora, od politično napetega Bejruta, preko utopičnega liberalizma Pariza, do boemske dekadence Venice Beacha, je oblikovala njeno delo. Razstava poudarja tako njen vizualni kot pisni jezik, kjer telesa, besede in druge oblike komunicirajo med seboj in se zlivajo v nove leksikone.
Čeprav so njene erotične slike in risbe najbolj znane, nas ta razstava opominja, da to ni le del globalnega spolnega prebujanja v šestdesetih letih prejšnjega stoletja, ampak tudi osrednji del opusa, posvečenega raziskovanju svobode, povezanosti, ločitev in transformacije skozi prizmo umetničinega lastnega življenja in interakcij z drugimi. Pripravite se na zapeljivo in provokativno vožnjo skozi življenje in delo Huguette Caland.
Big Frieze, Miguel Ángel Tornero
Medtem ko prenavljajo madridsko Palacio de Cristal, umetnost ne miruje. Miguel Ángel Tornero je dobesedno prevzel platno, dobesedno! Njegova razstava Big Frieze spreminja samo zgradbo v velikanski kolaž, pri čemer kot surovi material uporablja fotografije Madrida. Ne gre za običajne fotografije, ampak za drobce vsakdanjega življenja, od majhnih družabnih interakcij do monumentalne arhitekture. Tornero jih reže, lepi, prekriva in ustvarja kompleksne podobe mesta, hkrati celega in razdrobljenega.
Kot da se sprehaja po bolšjem trgu, Tornero išče navdih v običajnih stvareh – majhnih trgovinah, reklamah, brezdomcih, stebrih, ki držijo mesto na svojih ramenih. Njegovi kolaži so analogni odgovor na digitalno kulturo, kjer se plasti zaslona prekrivajo z realnostjo. Fotografija, ki sicer splošči realnost, v Tornerjevem delu postane objekt, praznovanje materialnosti.
Big Frieze je vtis mesta, povečan okras, ki postane glavno delo. Tako kot procesije v antični Grčiji tudi ta vizualna zgodba obdaja stavbo. Toda namesto veličastnih del Tornero prikazuje vsakdanje življenje, običajne mitologije mesta, življenje samo. “Moči jukstapozicije smo se naučili na bolšjih trgih,” je dejal Tornero med promocijo razstave. Tako kot v knjigi Things Georgesa Pereca, kjer junaki hrepenijo po spremembi s posedovanjem, tako tudi Turnerjeve fotografije oživijo na platnu in pripovedujejo zgodbo o mestu in njegovih prebivalcih.
Interakcija platna, strukture Palacio de Cristal in zunanjih elementov dodaja še eno raven kompleksnosti, kjer se arhitektura in umetnost prepletata v nenehnem dialogu. Tehnika je preprosta – izrezki fotografij so prilepljeni na model, nato pa fotografirani in povečani na ogromno platno. Mestne krajine postanejo tihožitja v nesorazmernem urbanem merilu, hkrati pa Big Frieze postane ogromna diorama, ki govori o trenutnem stanju notranjosti Palacio de Cristal. Transparentnost stavbe je metaforično ohranjena na platnu – mesto, ki postane prozorno, daje glas svojim tavajočim prikaznim v samem srcu svojega velikega kraljevega parka.
Opera to a Black Venus. What would the bottom of the ocean tell us tomorrow, if emptied of water today?, Grada Kilomba
Potopite se v globine postkolonialne domišljije z Grado Kilombo. Njena razstava Opera to a Black Venus v Reina Sofíji ni le razstava, ampak potopitev v zgodbe, travme in identitete. Grada Kilomba, portugalska umetnica s sedežem v Berlinu, uporablja poezijo, performans, video, kiparstvo in zvok, da oživi svoje besede. Njena dela, opisana kot “postkolonialni minimalizem”, preizprašujejo nasilje, ponavljanje in prevladujoče pripovedi. Predstavljajte si prihodnost brez oceanov, kjer se odkrivajo sledi človeškega obstoja – to je izhodišče za Opera to a Black Venus, monumentalno video instalacijo, ki prikazuje opero, posvečeno Črni Veneri, prerokinji spomina in vzdržljivosti.
Z glasbo, plesom in močnimi vizualnimi podobami nas Kilomba vodi skozi labirint osebnih in kolektivnih zgodb. Razstava vključuje tudi druga dela, ki z različnimi mediji raziskujejo teme spomina, izgube in upanja. Ne zamudite te priložnosti, da se potopite v Kilombin svet, svet, ki je hkrati poetičen, provokativen in globoko človeški.
In the moved air…
In the moved air… je razstava, ki vedno pusti vtis. Kustos, francoski filozof in ljubljenec Georges Didi-Huberman poetično secira politično antropologijo čustev, z razkrivanjem načina dihanja in upiranja kapitalizmu. Navdahnjena z Lorcovim romanom Romancero, razstava razume čustva kot gibanje, ki se prenaša skozi skupnost in ustvarja “potres” – verigo čustev, ki vplivajo na skupino.
Izhajajoč iz Lorcovih verzov o “razburkanem zraku”, razstava skozi umetniška dela in dokumente raziskuje, kako se čustva stapljajo s politiko. Skozi različne sklope preučuje transformativno razsežnost čustev in njihovo sposobnost spreminjanja realnosti. Od Misli, ki raziskujejo klasifikacijo čustev, preko Obraza in gest z deli Rodina, Dalíja in Giacomettija, do Mest, ki razkrivajo čustveni naboj prostora z deli Mirója in Fontane. Politike raziskujejo moč čustev v družbenem kontekstu skozi dela Pasolinija, Kollwitza in Goye, medtem ko Otroštva slavijo poetično in politično moč nedolžnosti. Je razstava, ki vas sili, da čutite, razmišljate in preizprašate svet okoli sebe.
Grotesque, Popular art and aesthetic revolution
“Esperpento” je beseda, ki jo je skoval Ramón María del Valle-Inclán in je postala ključ do razumevanja realnosti skozi popačeno, groteskno lečo. Ta razstava kot nekakšen časovni stroj v temno stran Španije na začetku 20. stoletja raziskuje, kako je “esperpento” postal orožje kritike proti družbeni, politični in kulturni zaostalosti. Za razliko od drugih grotesknih gibanj v Evropi ta španski ni le izraz absurda, temveč poziv k prenovi družbe. Z eklektično mešanico umetniških del in dokumentov razstava razkriva glavne teme in strategije “esperpenta”, s čimer dokazuje, da je Valle-Inclánova vizija še danes aktualna.
Od satire s konca 19. stoletja, preko prve svetovne vojne in duhovnosti, do lutkovnega gledališča in karnevala nas razstava popelje skozi osem sklopov. Religioznost, grehi, tiranija, politika, nasilje … vse to, zavito v “esperpento” estetiko, doseže vrhunec v metafori Španije kot arene, kjer se kažejo napetosti, ki so pripeljale do državljanske vojne. In kot češnja na torti gledališka skupina Lagartijas tiradas al sol prinaša sodobno, žensko različico Valle-Inclánovega tiranskega Banderasa, ki daje glas tistim, ki jih je pisatelj pozabil. To ni samo razstava, to je potovanje v srce “esperpenta”, kjer je realnost izkrivljena, da jo lahko bolje razumemo.
Topia and revolution: 1986-1988, GENE
Januarja 1986 so štirje umetniki v kleti stavbe v madridski soseski Chamberí ustanovili alternativni umetniški prostor, ironično imenovan Galería Nacional. Istočasno je Manuel Saiz ustanovil poštno službo za več razstav in propagando, umetniško pobudo, ki je delovala kot “neortodoksen časopis”. Strani in članki so prihajali posamično, po pošti, tako da so umetnost prinesli gledalcu neposredno na dom. To radikalno sodelovanje se je mesece kasneje združilo s kritičnim duhom Galeríe Nacional in ustvarilo GENE, kolektivno produkcijsko galerijo, ki je objavljala reproducirane razglednice.
Pod vplivom različnih referenc, od Kurta Schwittersa do Josepha Beuysa, je GENE, zavračajoč kulturno politiko takratnega “progresivnega” Madrida, deloval z rednimi srečanji. Med letoma 1986 in 1988 so poslali sedeminsedemdeset oštevilčenih poštnih pošiljk okoli dvajsetih umetnikov, organizirali različne akcije in ustanovili založbo GENE Ediciones. Z minimalnimi sredstvi in marginalnostjo so ustvarili alternativna omrežja za širjenje umetniških idej in del, ki so s “kratkim stikom” uradne umetniške prostore.
Primer njihove subverzivnosti je performans Pedra Roldána na razstavi “13 mladih slikarjev”, kjer je, potem ko je prestal selekcijo z enim predlogom, razstavil risbo nagrobnega spomenika z napisom “Osvojeni prostor/Okupirani prostor”, podpisan z imenom GENE. Ali pa truplo psa, predstavljeno kot kolektivno delo na razstavi “Punto 87”.
Razstava “GENE. Topía y Revolución: 1986-1988” prvič združuje vse to neobjavljeno gradivo, posvečeno eni najpomembnejših protiinstitucionalnih umetniških skupin v Madridu v 80-ih. Kolektiv, ki ga sicer ni bilo v zgodovini španske umetnosti, a je bil zaradi svojih odmevnih akcij prisoten v uradnem tisku svojega časa. Kot so zapisali člani sami, “umetniško delo ni objekt, temveč odnos. Odnos posameznika do osvoboditve in prek tega skupnosti. Odnos posameznika do življenja/umetnosti, revolucije in smrti”.
Rhythms, plots, variables, Soledad Sevilla
Soledad Sevilla, španska slikarka, je desetletja gradila svoj značilen slog, ki temelji na čistih linijah, barvah in geometrijskih oblikah. Razstava, ki jo je kurirala kustosinja Isabel Tejeda, sledi njenemu razvoju skozi več kot sto del, od njenih začetkov v Madridu do njenih najnovejših del. Sevilla trdi, da že vse življenje slika isto sliko in povezuje zgodnja dela iz šestdesetih let s kasnejšimi serijami, kot sta Horizontes blancos in Esperando a Sempere, posvečena Eusebiu Sempereju.
Čeprav je bila sprva povezana s skupino španskih umetnikov geometrijske abstrakcije, je bilo bivanje v Bostonu ključno za njen razvoj. Po vrnitvi iz Bostona so jo linija, vzorec in svetloba kot nosilci čustev pripeljali do dveh pomembnih stebrov španske kulture: Velázquezovih Las Meninas in andaluzijske arhitekture Alhambre.
Sredi 90-ih je na njena platna začelo “vdirati” ritmično kopičenje potez s čopičem, njena dela pa so prevzeli motivi narave. Ta razstava dokumentira nekatere njene zgodovinske umetniške intervencije, kot sta Vélez Blanco in El tiempo vuela. Umetnica hkrati predstavlja Donde estaba la línea, novo site-specific instalacijo, v kateri z bombažno nitjo intervenira v muzejski prostor.
Vznemirljive razstave zdaj, revolucionarne v prihodnosti
Te aktualne razstave, katerih ogled zelo toplo priporočam, prikazujejo neverjetno raznolikost tem, umetniških pristopov in umetnikov samih ter pričajo o bogatem in premišljenem programu. In zdaj, ko se jim je pridružila nova pridobitev omenjenih 470 umetnin, je jasno, da muzej nadaljuje po tej poti, širi svoja obzorja in potrjuje svojo aktualnost v svetu sodobne umetnosti.
Ta eksplozija novih pridobitev prihaja tudi z resno finančno podporo – skoraj 8 milijonov evrov je bilo vloženih v razširitev zbirke z velikodušnimi donacijami zbirateljev in galerij, zlasti iz Latinske Amerike. Toda tudi toliko denarja ni zagotovilo, da bodo izbrani umetniki nekoč veliki – in to je tveganje, ki ga muzej prevzema zavestno. Kajti, če damo umetnikom prostor za eksperimentiranje, zakaj ne bi enako veljalo tudi za institucije?
Reina Sofía je trenutno najbolj razburljiv muzej v Evropi, saj ne miruje. Ni le kraj, kamor se pridemo poklonit Picassu in Dalíju, ampak živ organizem, ki diha s časom. Ta pridobitev ni le obogatitev fundusa, ampak tudi sporočilo. Sporočilo o pomenu ženskih glasov v umetnosti, o tem, da je treba slišati in videti tiste, ki so bile dolgo prezrte. In to je tisto, kar me najbolj veseli. Ker umetnost ni samo lepota. Umetnost je hkrati upor, revolucija in sprememba. In Reina Sofía je točno to – muzej, ki se ne boji sprememb, ki se ne boji biti drugačen. In medtem ko drugi muzeji poskušajo ugotoviti, kako ostati relevantni v 21. stoletju, je Madrid že nekaj korakov naprej.
