Od Slovenije do Makedonije regionalni kandidati za 98. podelitev oskarjev prinašajo zgodbe o osvobajanju, sistemu, absurdu in moči posameznika. Tara Đukić se je z avtorji in avtoricami pogovarjala o njihovih novih projektih, pričakovanjih in o vlogi umetnosti danes.
Tara Đukić13 novembra, 2025
Ko je bil film hrvaškega režiserja Nebojše Slijepčevića v začetku letošnjega leta nominiran za oskarja, sem to začutila kot tihi triumf vseh nas, ki „nismo mogli molčati”. V zgolj trinajstih minutah resničnih dogodkov nas je soočil z vprašanjem lastne odgovornosti – kaj storimo ali česa ne storimo, ko postanemo priče nečednih dejanj: lahko smo pravični, dokler ni nobenega tveganja, toda ko se nevarnost približa – ostanemo pokončni ali ne? Zgodba iz vojnega časa je le osvetlila moralne dileme, ki so še danes žive, po tej poti pa so, vsak na svoj način, stopili tudi regionalni kandidati za 98. podelitev oskarjev, ki bo marca 2026.
Od potiskanja in osvobajanja ženskega glasu ter telesne avtonomije, prek odnosa človeka do narave pod grožnjo uničenja, pa vse do brazgotin družbe, ki je omahnila v avtoritarne in nacionalistične ideologije – vsak film v tekmi za nominacijo priča o tistem, v kar skoraj utopično verjamem: da ima umetnost danes dolžnost biti angažirana. Usode njihovih likov razkrivajo, kako se oseben pogum, odpornost in sočutje preizkušajo pod pritiskom sistema, pri čemer se razgaljajo slabosti in absurdi različnih ustaljenih vzorcev, hkrati pa tudi moč posameznika, da kljub vsemu ohrani človečnost. Nekateri nas pozivajo, naj ponovno postanemo gospodarji svoje prihodnosti, drugi nas opominjajo, naj zaščitimo šibkejše in zavrnemo vsakršne delitve, tretji pa nam skoraj pravljično pripovedujejo o zdravljenju duše v potrošniškem svetu. A prav vsak od njih vrača tisti krhek, iskriv in predvsem nujno potreben občutek smisla.
V svojem prvem celovečernem filmu „Little Trouble Girls“ Urška Đukić beleži trenutke odraščanja skozi subtilno, a hkrati subverzivno raziskovanje seksualnosti. Med dvema učenkama katoliškega pevskega zbora – Lucijo (Jara Sofija Ostan) in Ano Marijo (Mina Švajger) se rodi privlačnost, ko se vsak konec tedna srečujeta v podeželskem samostanu. „Navdih sem dobila, ko sem gledala koncert zbora ene katoliške šole. Dekleta so s takšno močjo prepevala staro slovansko ljudsko pesem, da sem se razjokala. V glasovih teh mladih deklet, ki so bila na pragu ženskosti, je bilo nekaj izjemnega. Delovalo je neverjetno mogočno in pomembno, posebej če pomisliš, kako so bili ženski glasovi skozi zgodovino pogosto utišani. Spominjam se, da sem v občinstvu videla tri duhovnike, enako ganjene, kot sem bila sama, in vsa situacija se mi je zdela nenavadna: patriarhalni, v celibatu živeči moški, ki poslušajo mogočne glasove, prežete z žensko energijo. Ta slika se mi je zdela tako skrivnostna, da sem razumela, da jo moram globlje raziskati. Nekaj časa sem spremljala ta zbor, jih opazovala, in to je postalo seme za scenarij. Začela sem z raziskovanjem ženskega glasu, kako je bil potlačen, pa tudi kako je lahko povzdignjen. To me je pripeljalo do tem, kot so telo, seksualnost, krivda, sram, duhovnost in celotna pot odkrivanja lastne moči,“ začne pripoved. In ne kakršnih koli ženskih glasov, temveč glasov v enotnosti, zaradi česar ima film močan senzorični potencial.
Vse se je začelo pri (samo)refleksiji. “Kot deklica sem pogosto čutila krivdo zaradi svojih nagonov. Moja družina ni bila posebej religiozna, vendar mi je mama vseeno prenesla tradicionalne katoliške predstave o tem, kakšna naj bi bila “dobra deklica”. Leta sem potrebovala, da sem razumela, kako omejujoče so lahko takšne ideje, zlasti ko gre za žensko telo in seksualnost.” Lucija, glavna junakinja filma, je tiha in nekoliko zamišljena deklica iz religiozne družine. Privlači jo Ana Marija – karizmatična in samozavestna vrstnica, ki druge očara s svojim ciničnim pogledom na svet. Lucijina nedolžnost jo zabava, a v njej prepozna mir in samozavest, ki prihajata od znotraj. A privlačnost do nečesa še ne pomeni nujno želje po dejanju.Včasih nas privlači nekaj, kar ima druga oseba, nam pa manjka. In to je oblika seksualne energije. Lucija čuti privlačnost do nečesa, česar še ne razume, a čemur mora slediti, da bi odrasla. Kot protislovja, ki hrepenijo po tem, da bi se prepletla. Na površini je “Kaj ti je deklica” zgodba o rojstvu queer želje pod budnim očesom katoliške cerkve. A film se upira preprostim razlagam. Ideja, da je seksualnost greh, je v resnici prikrita oblika nadzora – ločuje človeka od njegovega lastnega vira moči. Povezava med Lucijo in Ano Marijo je morda prehodna, a prek nje obe dosežeta globljo resnico – tisto, ki povezuje telo in dušo, stoletja razdvojena z dogmo. “Film “Kaj ti je deklica” je zgodba o pomembnosti, da ljudje močneje začutijo svoje telo in se naučijo slediti lastnemu notranjemu vodstvu, namesto da slepo sledijo družbenim navodilom, ki so se v zgodovini pogosto izkazala za nesmiselna in omejujoča,” na koncu dodaja Urška.
Z ene strani – življenje – težko, surovo, sivo, okolje strupeno in nevarno; z druge spektakularne krajine, fantastični mikrosvetovi, ki so si jih domačini ustvarili sami. Že v prvih nekaj kadrih je otipljivo, da “Sunce nikad više (Sonca nikoli več)” govori o posamezniku, ki se zoperstavlja tistim, katerih delovanje ogroža nepovratno uničenje narave in lastne dediščine. V tem pretresljivem ozračju je najpretresljivejše to, da temelji na resničnih dogodkih. Režiser David Jovanović, navdihnjen z lastnim otroštvom in leti, preživetimi v bosanskem rudarskem kraju, film snema v Krivelju pri Boru, kjer rudniki dejansko obstajajo in se neustavljivo širijo tik ob naseljenih območjih. “Sodelovanje domačinov iz Krivelja je bilo ključno za film. Prvič, vse, kar so oni naredili za nas – rušili, gradili, kuhali, orali, sekli – in vse, kar so nam dovolili narediti, si nikoli ne bi mogli privoščiti. A drugič, in mnogo pomembneje, njihove zgodbe in njihova kultura so oblikovale film.” Brez njih bi to, za začetek, zagotovo ostal kratki film. Navdihnjen z vsem, kar sem slišal in doživel, sem posnel množico dodatnih prizorov, zahvaljujoč katerim smo zdaj tukaj, kjer smo – na dosegu roke od oskarja,” pravi. Nekateri domačini sprejmejo ponudbo, da prodajo svojo zemljo in jo zapustijo, da bi ubežali onesnaženju in tresljajem, ki jih povzročajo eksplozije. Glavni junak Vid (Dušan Jović) je trd in načelen človek, ki se upira temu, da bi njegov način življenja zamiral, dih za dihom. Dule (Rastko Racić) na svojega očeta gleda z občudovanjem. Skupaj gradita rastlinjak: za Vida je to dejanje kljubovanja in odpora prihajajočemu uničenju, za Duleta zatočišče domišljije.
Ta motiv ni naključen, temveč odmev tistega, čemur je bil režiser David Jovanović priča. “Na terenu smo srečevali ljudi, ki religiozno vneto zbirajo starine in ponosno pravijo: Tu je toliko stvari, da se ti zvrti v glavi. Srečali smo človeka, ki si je v majhnem gozdičku z ribnikom ustvaril pravi raj, pa tudi nudistično plažo z imenom Kod Prevare (Pri Prevari) sredi jalovišča.” V njihovih svetovih je vse fantastično in nadrealno.” Da bi preživeli vsakodnevne eksplozije, porušene hiše, črno vodo, uvelo rastlinje, bolne ljudi, popolno opustošenje narave, ki spominja na krajine zapuščenih planetov. Te mistično-fantastične niti so kot rešilna vrv, pobeg iz vsakdanjika in boj za dih. Tu se pojavi tudi vloga Boga, ki jo igra Svetozar Cvetković. “Ko sva z Đorđejem snemala dokumentarni film v Bosni z namenom raziskati svet, podoben tistemu v najinem filmu, sva intervjuvala dedkovega prijatelja Rađo, ki je v tistem rudarskem naselju ustvaril majhno oazo – posadil je borovce, postavil žar, ribnik, mize in stole iz štorov, del svoje gozdne parcele pa spremenil v mali raj. Sredi tega ‘raja’ je stopil pred kamero in izrekel, besedo za besedo, vse, kar v filmu reče Svetozar. Povsem naravno je bilo, da prav on igra tak lik, saj je že v dveh mojih kratkih študijskih filmih upodobil podobne avtoritativne figure – Harona in profesorja režije.” No, zaradi edinstvenega vizualnega jezika filma, stkanega iz dolgih, počasnih kadrov, je vse v dvojnosti – liričnega in surovega, kljubovanja in domišljije, upanja in brezupa, časti in brezsramnosti. Ko je bilo objavljeno, da bo “Sunce nikad više” srbski kandidat za oskarja, je bil označen kot avtorsko delo s sodobno in univerzalno temo.
Dve stvari sta prevesili tehtnico v njegovo korist: univerzalnost teme trpljenja ljudi in narave zaradi pohlepa in moči multinacionalnih podjetij, ki se ukvarjajo z rudarjenjem po vsem planetu, ter koherentnost tragične zgodbe v stilizirani maniri pesniškega naturalizma. Čeprav David Jovanović poudarja, da ne verjame v angažirani film, je posneti film, ki brani čast, integriteto in zdravo pamet v svetu, ki izdihne v predaji, angažirani impulz, ki ga potrebujemo.
Prvič sem v stiku s tem filmom konec pomladi, na Beldocsu, v kategoriji Bitka za resničnost, z izborom, ki raziskuje, kako razlagamo resnico in gradimo skupno resničnost v dobi zgodovinskega tehnološkega razvoja, rastočih avtoritarnih režimov, zmede, fragmentacije in medijskega presežka. Potem ko je v svojih igranih filmih, kot sta “Grbavica” (2006) in za oskarja nominirani “Quo Vadis, Aida?” (2020), osvetlila srbske vojne zločine, storjene med razpadom Jugoslavije med letoma 1991 in 2001, se najbolj talentirana sodobna bosansko-hercegovska režiserka Jasmila Žbanić obrne k dokumentarni formi, da bi osvetlila izjemno zgodovinsko osebnost – Emerika Bluma, inženirja in vizionarja, ki je v povojni Bosni in Hercegovini ustanovil znamenito podjetje Energoinvest, zasnovano na modelu delavskega samoupravljanja. Skozi bogat arhiv in pričevanja film prikazuje, kako je Blum v podeželskem in porušenem okolju uspel zgraditi globalno podjetje, vodeno s filozofijo, ki se danes, v času kapitalizma, zdi skoraj utopična. Čeprav se ukvarja z največjim jugoslovanskim izvoznim podjetjem – gigantom z 42.000 zaposlenimi in dobičkom v višini ene milijarde dolarjev – je Energoinvest prikazan skozi majhne, skoraj družinske prizore.
Za zaposlene je bil več kot običajna služba: jugoslovanske ekonomske strukture in Blumova pobuda so jim omogočale, da so živeli v stanovanjih v lasti podjetja, preživljali poletja v počitniških hišicah na dalmatinski obali in sodelovali v letnih športnih tekmovanjih, ki jih je organiziralo podjetje. V sodobnih intervjujih, prepletenih z arhivskimi posnetki, se Blum pojavlja kot očetovska figura – strog, a pravičen in ljubljen s strani vseh. Več kot štirideset let po njegovi smrti se ga delavci še vedno spominjajo z nostalgijo in citirajo njegove besede. Film je živopisno pričevanje o neomajni moči Blumove vizije in opomin, da lahko podjetja uspevajo tudi v sistemih, ki se bistveno razlikujejo od današnjega pohlepnega kapitalizma. Za starejše generacije je to vrnitev v bolj pravično in toplejše zatočišče, za mlade pa upanje, da se delo, znanje, poštenje in častnost povrnejo, če se borimo proti vsemu, čemur danes sledimo – tako lokalno kot globalno. Jasmila Žbanić po premieri parafrazira Blumove besede iz filma: “Postanimo znova gospodarji svoje prihodnosti.”
Beseda “obraz” ima v naši kulturi večplastni pomen. Je v samem središču moralnega in družbenega kodeksa ter simbolizira čast, dostojanstvo, moralno integriteto in osebno poštenost. Izgubiti obraz pomeni izgubiti svoje mesto v svetu – izgubiti zaupanje drugih, pa tudi lastno identiteto. Ohraniti obraz pomeni ostati dosleden, pošten in zvest svojim načelom tudi v težkih okoliščinah. Po drugi strani omadeževati obraz označuje sramoto, nepoštenje, izdajo ali moralni padec. V patriarhalnem kontekstu – še posebej v črnogorskem, kjer sta čast in ponos stebra družbenega reda je obraz pogosto pomembnejši od samega življenja. Beseda, dana na čast – močnejša od katere koli druge obveznosti po “Kodi” Lekëja Dukagjinija, ki je stoletja služila kot neizpodbitni zakon med Albanci – je izhodiščna točka tretjega celovečernega filma črnogorskega režiserja Nikole Vukčevića, “Obraz”. “Mene je pravzaprav najbolj zanimal posameznik, ki se odloči zoperstaviti zakonu močnejšega. To je bil glavni motiv mojega zanimanja, medtem ko je ‘Koda’ Lekëja Dukagjinija v filmu le okvir – kulturna in moralna krajina, v kateri se zgodba odvija, da bi bilo glavnemu junaku še težje. Bolj kot sam kodeks me je zanimalo, kaj se dogaja s posameznikom znotraj tega sistema, s človekom, ki poskuša najti svoj moralni kompas v trenutku razpada reda, med kaosom druge svetovne vojne, v trenutku, ko pravila časti ne veljajo več.
V takšni situaciji obraz ni več vprašanje tradicije – postane vprašanje osebne identitete, človeškosti in osebne odgovornosti. Verjamem, da je trenutek, ko glavni junak mojega filma sprejme tisto težko odločitev, prav tisti, ki spodbuja občinstvo, da se vpraša: kaj bi jaz naredil na njegovem mestu,” začne režiser. Dogajanje je umeščeno v gorske predele Črne gore, poseljene z Albanci med drugo svetovno vojno; ta zgodovinska drama s fantazmagoričnimi motivi prikazuje spopad med enoto SS divizije in eno častno hišo glede usode dečka iz pravoslavne vasi, ki je pri njih našel zatočišče. V svojem kraju je Nuredin Doka (kosovsko-nizozemski igralec in režiser Edon Rizvanoli) spoštovan kot junak in predstavnik svojega rodbinskega klana – človek, ki spoštuje Zakonik, a ni nesposoben izreči sodbe v prid človeškemu življenju. Tako je prekinil krvno maščevanje s tekmovalnim klanom Gjonaj in se namesto za uboj njihovega sina odločil, da ga posvoji. Med vojno se Nuredin odloči ostati ob strani, živeti mirno in preživljati tako, da lovi s sinom Mehmetom (debitant Elez Adžović), saj noče stopiti ne na stran strahopetnih nacističnih pristašev ne na stran ateističnih komunističnih partizanov. “V glavnem liku, Nuredinu Doki, sem videl človeka, ki poskuša uskladiti to, kar je, s tistim, kar se mu ponuja za ceno smrti družine. Njegova odločitev – da zaščiti otroka, ki ni njegov, otroka druge vere in naroda – odpira vprašanje, ki presega vsak čas:
Koliko je človek pripravljen tvegati, da bi ohranil moralni mir?
Tisto, kar me je najbolj pritegnilo, je ta antična dimenzija tragedije, ki se odvija na našem balkanskem prostoru, kjer so čast, družina in odgovornost stebri identitete. Film ni poskus idealizacije junaštva – nasprotno, prikazuje, kako se pogum in strah, dvom in ljubezen prepletajo v eni sami človeški odločitvi. Priprava je zahtevala poglobljeno delo s scenaristkama Ano Vujadinović in Melino Pota Koljević, njun prispevek pa je bil ključen pri oblikovanju psihološke in čustvene polnosti vseh likov in vseh plasti te drame. Prizadevali smo si, da Nurova dilema ne bi bila simbolična, temveč resnična, skoraj fizično otipljiva, da bi gledalec začutil njegovo notranjo borbo. V nekem trenutku smo zgodbo filma doživeli kot balkanski western–eastern, zgodbo o osamljenem posamezniku v boju proti močnejšemu.” Na koncu “Obraz” ni le zgodba o enem človeku, temveč tudi o tem, kar nas vse skupaj zavezuje, da v težkih časih, ko se še vedno delimo po verah, narodnostih in ideologijah, ohranimo človeškost, sočutje, da zaščitimo šibkejšega in pričamo, kako je človečnost enako velika kot junaštvo. Kot simbol zmage nad nasiljem, uničenjem in vojno.
Najbolj gledan hrvaški dokumentarni film v zadnjih tridesetih letih, “Fiume o morte!”, raziskuje sporen zgodovinski dogodek, ki ga je vodil italijanski samooklicani pesnik in nacionalist Gabriele D’Annunzio, ko je v letih 1919 in 1920 zasedel mesto Reka z namenom njegove priključitve Italiji. Njegova vladavina je trajala šestnajst mesecev in jo je zaznamoval avtoritarni režim, militarizem in kult osebnosti. Posledice so bile pogubne, ne le za mesto, temveč tudi za svet – saj so D’Annunzievi podvigi navdihnili mladega italijanskega nacionalista Benita Mussolinija. V svetu naraščajočega fašizma in desničarskih idej se Bezinovićev film zdi nameren, vendar je zamisel nastala dosti prej. “Ne spomnim se natančno, kdaj sem prvič slišal za D’Annunzija, vendar se spomnim trenutka, ko je postal pomemben v mojem življenju. V svojih zgodnjih dvajsetih sem študiral filozofijo in sociologijo ter prebral knjigo “T.A.Z.: The Temporary Autonomous Zone” (“Začasna avtonomna cona”) iz leta 1991, avtorja Hakima Beya, ameriškega anarhista.
V knjigi je poglavje o D’Annunziju na Reki in spomnim se, da sem ga prebral večkrat, da bi bil prepričan, da res govori o mojem rojstnem mestu. Hakim Bey imenuje Reko “piratska utopija”. Iskreno sem upal, da ima prav, ker sem si želel, da bi moje mesto imelo to anarhistično dediščino. Na žalost se je izkazalo, da njegova teorija ni temeljila na resnem raziskovanju, temveč na površnem ugibanju,” je izjavil Bezinović. Rojen v Reki se je projekta lotil “z osebnim zanimanjem za zgodovino svojega mesta in zato, da bi današnje stanje bolje razumel iz nove perspektive”. Film zbere izjemno količino arhivskega gradiva in igralsko zasedbo, sestavljeno večinoma iz amaterjev – domačinov, ki jih je ustavljal na ulici, da bi znova ustvaril prizore iz zgodovinskih posnetkov okupacije, vendar z izrazitimi primesmi lucidnega humorja in autoironije. Mladi moški igrajo vojake, ko pa najde hišo, ki je nekoč bila hotel, v katerem je D’Annunzio prenočil na poti v Reko, gospodinjo prepriča, da odigra sobarico. Nekateri prizori so zahtevali popolno preobrazbo: trgovina, ki je nekdaj stala na mestu D’Annunzijeve najljubše taverne, je danes salon za nohte.
Z dovoljenjem lastnice je ekipa prostor preuredila v repliko davno izginulega lokala. Ključni vidik teh živopisnih rekonstrukcij je v tem, da ne prikazujejo zgolj dogodkov, zabeleženih v arhivu – temveč dobesedno ponavljajo kompozicije in kadre izvirnih posnetkov, s čimer režiser pravzaprav rekonstruira tudi sam proces režije. D’Annunzijev fanatični nacionalizem Bezinović postavlja nasproti posnetkom sodobnega nogometnega navijaštva – z baklami, vzkliki in spopadi med privrženci Rijeke in Splita – vsakdanjim izrazom identitetnega ponosa, ki ga oportunisti zlahka spremenijo v orožje. Prisotna je tudi pretresljiva scena, v kateri D’Annunzio po referendumu, na katerem so se prebivalci Reke množično izrekli proti priključitvi Italiji, razbija škatle z glasovnicami, pretepa občane in razglasi svojo zmago. “Zame je ta trenutek spodkopavanja volitev nekaj najbolj tragičnega. Bojim se, da ta praksa, ki se še vedno pogosto uporablja tudi po D’Annunziju – kjer se navidezno verjame v demokratični proces, v resnici pa se ga zasmehuje, banalizira in kriminalizira – vsako državo in družbo vodi le v propad,” dodaja režiser z mislijo na sodobni kontekst. “Fiume o morte!” jasno pokaže, kako lahko ambiciozen demagog in njegov krog sledilcev v razdeljeni družbi ob valu sokrivde in brezbrižnosti doseže absolutno oblast.
„Imeli smo srečo, da je ta film izšel v trenutku, ko je potreben“, pravi Bezinović.
Predstavljajte si dokumentarni film, ki je hkrati poetičen razmislek o nerazdružljivi vezi med človekom in naravo, ljubeznijo in ozdravljenjem. Režiserka Tamara Kotevska, najbolj znana po dokumentarcu “Honeyland” (2019), nominiranem za oskarja, tokrat spretno prepleta starodavno ljudsko pripoved o mladem možu Silyanu, ki postane štorklja, potem ko ga oče prekolne, ker noče nadaljevati družinske tradicije, z resničnimi življenjskimi boji nekega kmeta v sodobni Severni Makedoniji. V Nikoli, glavi kmečke družine, katere eksistenca je ogrožena, je našla poosebitev obeh omenjenih tem. “The ‘Tale of Silyan‘ je prva zgodba, ki sem jo kdaj slišala od svojih starih staršev, in ko sem začela snemati, sploh nisem imela namena, da jo bom vključila. Kot filmska ustvarjalka, ki se že deset let ukvarja z dokumentarci o okolju in migracijah, sem bila v izhodišču osredotočena na bele štorklje ter spremembe v njihovih migracijskih vzorcih zaradi spremenjenih prehranskih navad in prenatrpanih odlagališč. Vendar pa, kot se pogosto dogaja v dokumentarnem filmu, zgodba oblikuje avtorja bolj kot avtor zgodbo. Na začetku me je prevzel ‘učinek zrcala’ med ljudmi in štorkljami. Želela sem ga kar najbolj izkoristiti, da bi prikazala podobnosti med vrstama. Šele po več kot letu in pol snemanja, ko je Nikola našel poškodovano štorkljo in se odločil, da bo skrbel zanjo, se je zgodba o Silyanu vrnila v moje življenje kot navdih. Ko sem opazovala, kako ti dve bitji začneta deliti svoja osamljena življenja in dajati smisel drug drugemu, enostavno nisem mogla prezreti podob Silyana in njegovega očeta, ki sem jih kot otrok ustvarjala v svoji domišljiji. To je bil popoln simbol, ki se je manifestiral v resničnem življenju,” pojasnjuje. Nikolino življenje na kmetiji se sprva zdi skoraj idilično.
Njegova ljubljena žena Jana je vedno ob njem na polju in pogosto se obnašata kot zaljubljena najstnika, ko se med opravljanjem del igrata. Za razliko od Nikolinega sina, ki je zapustil kmetijo in državo v iskanju drugačnega, domnevno lažjega življenja, njegova hči Ana in njena družina ostajajo zvesti domačemu življenju. A vse se spremeni, ko družina ne more prodati pridelkov zaradi stroge državne regulacije. Ostane kup izdelkov, sadja in zelenjave, ki jih ni več mogoče prodati in zato končajo na odlagališčih, kjer gnijejo in hranijo štorklje. V boju za preživetje Nikola ostane sam, saj vsi družinski člani zapustijo domovino. In tu pridemo do prepletenosti njegove usode z zgodbo o osamljenem Silyanu, ki hrepeni po srečanju z očetom, seli se z enega kraja na drugega, a nikoli ne najde pravega sprejetja med drugimi štorkljami. Sama ta ideja odraža naš vsakdan: postati moramo nekaj drugega, preseliti se, se nenehno preoblikovati, da bi preživeli. Zaradi svoje edinstvene forme film spada v žanr docu-fable, novo pripovedno obliko. “Pojem docu-fable prej ni obstajal. Nastal je organsko skozi proces ustvarjanja in čisto inspiracijo.
Dokumentarni film je od nekdaj najsvobodnejša oblika filmske umetnosti, ki zavrača pravila, okvire in žanre. Zato imam rada dokumentarce. Vsaka zgodba ima svoj slog in običajno sama pove avtorju, kaj želi biti, ne obratno. Nekaterih zgodb ni mogoče povedati drugače kot skozi intervjuje, drugih le skozi arhiv, tretje skozi čisto opazovalno formo in cinema verité, nekatere pa uporabljajo pripovedovanje, animacijo in druge tehnike. Danes dokumentarni filmi doživljajo veliko krizo zaradi rastoče kulture pretočnih platform. Te pogosto omejujejo ustvarjalnost dokumentarcev in jim vsiljujejo natančne okvire. Nihče ne more razpravljati o tem, kaj je in kaj ni dokumentarec, dokler vsebina prikazuje resnično realnost neke družbeno relevantne teme.” Povem ji, da menim, kako mora biti umetnost danes družbeno angažirana, čeprav se mnogi še vedno otepajo takšnega stališča. “Popolnoma! Sama se imam za družbeno angažirano avtorico in verjamem, da je to res odgovornost umetnika. Ne verjamem v umetnost zaradi umetnosti same. Umetnost je oblika izražanja, hkrati pa močna energija, ki oblikuje, vpliva in spreminja človeška življenja in zaznave.
Zato mora biti vsak, ki poseduje umetniški talent, zelo pozoren in zavesten tega, kako uporablja ta dar.
V nasprotnem primeru umetnost v celoti izgubi svojo vrednost,” doda. Konec filma se skoraj povsem ujema s koncem ljudske pripovedi. “Največja etična dilema med snemanjem je bila, ali naj ima film srečen ali žalosten konec. V zgodnjih fazah nastajanja sem bila povsem prepričana, da se bo končal s tragičnim prizorom, v katerem ljudje in bele štorklje živijo skupaj na odlagališču. To bi povzelo tragične posledice potrošniške družbe, v kateri danes živimo. Z razpletom navedenih okoliščin pa je zgodba postala zgodba o človeku, ki reši štorkljo, in štorklji, ki reši skoraj izgubljeno dušo tega človeka. V tistem trenutku sem se odločila, da mora imeti zgodba na koncu upanje, da bi navdihnila druge vsakodnevne junake, naj ne odnehajo pri svojih vrednotah, ne glede na to, kako težko je.”
